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一爬上喇荣的西山，就看到支着三脚架等日落的各式单反，种种踩跨经幡，种种不听劝。
过了一会儿，西方飘来巨大雨幡，营造出美妙的风景。单反们却喊道：“雨来啦！撤！”瞬间跑了个干净。
尤其爆笑的是，雨始终没有淋到这里。
这说明，拯救傻冒需要很大的菩提心。
这话是不犯戒的说法，犯戒的说法是：对傻冒无法治疗也无须治疗。
喇荣佛学院·雨幡
因此，致扎堆十一出来的人们：胸前挂着单反，手里拎着三脚架，也不能证明你们会摄影。
那些迎面近距离拍人磕长头的：除非人家不在乎向凡夫磕头，或者把凡夫观为菩萨，否则会引发极大烦恼。看现场，还好那位修行人的道心很正。接下来的问题留给摄影者：你得消耗多少个大劫累积的福德，才能如此泰然地承受出家人的长头叩拜？
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常见到做系列图——如四季、十二月、二十四节气——里，使用星、月等天体作为画面构成元素的，美则美矣，却有硬伤。有些后期制作的图，在熟悉天空的人们眼里看来，十分别扭。这里举例说明，希望能对制图人有所帮助，让自己的图片更加浑然天成。
下面这四联图是从@呼吸不能说-breath制作的《月相·朔策》里挑选出来的：
《新月》是一个人站在汀洲上，水中倒映着繁星和一弯新月，很美，但是这样的月亮不可能出现。月球是被太阳照亮的，所以它发光的一侧永远对着太阳。如果新月的倒影弯向右下方，那么太阳的位置在哪里呢？必然是在高于月亮的天空中了。这样的大白天，是看不到新月的。
《渐盈凸月》的雪山，真实的光源是在左上方，所以能看到那样的明暗阴影。而月亮却被P到了右边。这就不是天文知识的事儿了，是素描基本功的问题。这幅图应该是用一张白天的照片加工出来的。
《满月》就有点惊悚效果了。熟悉北京的人们一眼就能认出，建筑是著名的午门，坐北朝南。图片意味着月亮出现在正北方的天空，清宫鬼片的开头。从左侧建筑的阴影能判断出，这也是一张白天的照片加工而成的，拍摄时间应该在下午一两点左右。
茶晶弥勒菩萨挂件
题图的弥勒菩萨（布袋和尚）挂件，乍一看很高端的样子，其实……咳……确实很高端，是很精致的一枚茶晶，反正我挺喜欢的。不过如果随意摆桌子上这么一拍，就成了右图，真的是布袋和尚风餐露宿的样子了。
右图有两个主要问题：一是背景太杂，二是挂件正面的哑光质地没能发挥作用，背景光透了过来，把菩萨的面容弄得模糊了。
其它小问题还有，挂件上有点脏脏的油腻灰尘，是佩戴人自己邋遢所致——委屈菩萨了。相机端得有点高，拍出一个大脑袋，头重脚轻。
解决背景问题其实挺简单，也不贵。我找到抄经剩下的一卷蓝色宣纸，一端挂将起来，另一端平铺在桌子上，中间是一个和缓的过渡弧面。把挂件放在这张宣纸上，就简化了拍摄背景，也不会看到桌子的边界或桌子与墙的交界线。拍摄台就是下图的样子。
释迦牟尼涅槃像·首都博物馆
摄影@踏刃而行
前几天谈的，都是为了解决“如何把展品拍清楚？”，从装备和技术方面分享的硬道理，今天说的就是有关审美的内容了。艺术和审美是多样性的东东，所以，如果我在本章发表个人的审美见解，例如“某片比某片更美更有韵味”这种充满个人色彩的语言，读者老爷一定不要轻易相信或赞同。我所希望本文达到的目的，是启发大家，展品还能这么拍，还能那样拍，而不是把我低劣的审美眼光灌输到大家的头脑里去。
阿耳忒弥斯·卢浮宫
平淡的光影
2005年5月我去卢浮宫，那时候是纯游客，怀着赶行程的心情，扫荡了一天。高人们看到这儿一定冷笑了：土鳖！一天逛完卢浮，是对她的侮辱！是的是的，我汗如雨下，所以我这不是又回来了么……2009年6月，我又有机会在巴黎出差一个月，这次就有大把时间了。除了周末之外，我还常趁下班后去一两个小时，每次只泡一个专题展厅：埃及、意大利绘画、希腊罗马雕塑。晚上的卢浮宫，人少且门票便宜，另外我还无意间发现，晚上可以遇到令人惊喜的美妙光影。
6月17日晚，安保们开始送客了，稀稀拉拉的观众顺着单向通道往外走，9点25分，路过阿耳忒弥斯时，我看到西沉的太阳从大窗户照射进来，月神身上洒满金色的光辉（下图），光影奇妙非凡，远非2005年扫馆的入狱档案型照片（左上）可比。
阿耳忒弥斯·卢浮宫
我们常常说、或听到别人说：摄影是光和影的艺术。在博物馆里，出于建筑条件和展品性质的原因，光影像卢浮宫这样有变化的不多。其实卢浮宫也不会随意让展品暴露在阳光下，只有石质文物才有此机会。大部分博物馆的展品布光是固定不变的，所以光影的变化就只有通过移动我们自己来获得。
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弥勒菩萨·首都博物馆
前一章，我们讨论了怎么克服黑暗和反光，努力把照片拍清楚。这一章，我们要细谈一种特殊情况：本来有机会拍好的照片，却被相机的错误判断搞砸了。
在《了解你的相机》一章的最末几段，我举了2009年7月日全食的例子来说明，当整个视野的平均亮度和主体的亮度差异极大时，眼睛和相机都会误判形势。相机最多毁几张照片，眼睛则可能永久失明。
SONY DSC-P1
我的第一台数码相机
很多朋友可能拿过自己的第一部数码相机拍月亮，还记得看到照片时的心情么？我的第一部数码相机是2001年买的索尼DSC-P1（右图），当时算是高端产品，也是不折不扣的傻瓜机。当我拿它拍月亮时，它嚓地一声开始拍了，然后我没听到结束的声音，狐疑地端了很久，手高举在空中抖啊晃啊……总算拍完了，一瞧照片，彩色花斑的背景上悬浮着一坨圆滚滚的白色重影……嗯，你打开任意一款绘画软件，先用黑色充满背景，再拿圆橡皮擦在中间位置随机涂抹几秒钟，就得到我拍的月亮照片了。
那时我是不折不扣的摄影盲，惊奇了很久。现在我知道这是掉到“曝光补偿”的话题里了。人眼和相机都是根据整个的视野的明暗程度来调节自己的摄影参数，而不在意主体的实际亮度。特别是照相机，它连什么是被摄主体都不知道，它追求的是一种“平均灰度18%”的感觉，这个数字是人眼感到最顺溜的照片平均值。在博物馆里，如果背景占据视野很大部分，并且和展品明暗有反差，相机就会努力照顾背景的感受，而忽略展品嘤嘤的抗议声。曝光补偿就是要纠正它这个思路（另有“点测光”功能也可以解决此问题，用法稍微复杂些，就不推荐给这个系列的读者了）。
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七牛虎耳青铜贮贝器·国家博物馆
剧情预告：在《器材的准备》一章里，我提到过一件一物三用的神器。在今天这篇里，它的用途将被揭晓。 😉 这一章也会分享铁手训练法。
现在我们站在博物馆里了，开始直面奇异甚至严苛的光线。在博物馆摄影，有两个主要的困难：黑暗的展厅和展柜玻璃的反光。
人眼是个很矫情的东西，在现场看展时，它会开启自动修复功能，把被遮挡的部位补全，把杂乱的人群忽略，对环境既不觉得暗也不觉得乱；而到看照片时，它立刻开始挑剔在现场被忽略掉的东东：为神马这么黑？这么多杂光噪点色斑？背景里还有几个观众，一个还在抠鼻孔，啥时候拍进去的？肿马照片上还有自己的大脑袋在玻璃上的反光？
先试着解决黑暗问题。
博物馆有多种布光方式，有用自然光的，有用灯光的，用灯光者又大致有明暗两种风格。卢浮宫的意大利画廊和大多数雕塑厅、大英博物馆帕特农神庙厅和埃及厅，使用大窗户或半透明的拱顶提供柔化过的自然光。故宫博物院文华殿（陶瓷馆）和首都博物馆的佛像展厅都是黑暗的展厅，被小范围照亮的展品漂浮在空中一样。国家博物馆的古代中国厅的灯光算是半明不暗风格，展品照明和背景差别不大。下面六幅图，左、中、右分别代表亮、暗（且明暗对比强烈）、折衷版。暗到多暗才算暗呢？
在我的眼里，只要景物暗到逼着照相机慢过1/15秒的，或者升ISO上800的，都算黑暗。经验上，大部分博物馆都黑暗，其实这是必然的：展品——尤其是织物、纸张、竹木、毛皮、骨角、彩绘，大多怕光，所以博物馆用的灯大都是低能冷光，照度也有控制。在这样黑暗的环境里拍照，常有下图所示的三个典型症状：照片黑，照片糊，照片花，或者它们的任意组合。
照片黑的原因很直观，黑么。
照片糊，是因为很多相机一见博物馆这阵仗，立刻把光圈放大，同时把快门时间调长，以努力多看一会儿，来获得足够明亮的成像。快门时间延长了，可人手却在不停地抖，最后照片就一塌糊涂了。
照片花，是因为相机可能会很聪明地把感光度（ISO）调高，这样曝光时间就不用那么久了。我们在《了解你的相机》里知道，ISO调高之后，噪点就会升上去，过高的ISO结果会把照片弄花。
环境黑暗是改变不了的，相机的噪点水平也是改变不了的，可以改变的就只有缩短快门时间，以及避免相机抖动了。所以请依次考虑这些措施：
药师佛·首都博物馆（摄影：@曲吉将灿）
今天谈针对博物馆的照相机原理。博物馆里主要是近距离静物，所以我不会拿动物摄影和风光摄影举例。如果国博的截屏看不出细节效果，请到原文页面来看大图。
对于急性子的、或早已熟悉照相机原理的朋友，摄影原理有个简版：
以上每句话后面的表情符，代表对此情况的一般价值观判断（语境是博物馆）。例如，“照片糊成一团”不是个好事，就用个小哭脸符号。不好不坏的扑克脸意思是，这是个中性的知识而已，谈不上好坏；或者取决于拍摄者的意图，例如“虚实差别大”这件事，依赖于摄影者想怎样表现展品——例如题图的首博这尊药师佛照片，他身后的四世班禅像是故意被拍虚的，既突出主题也造成空间的感觉。
可以看出，几乎没有一样参数是单向笑哈哈的。在许多博物馆黯淡的灯光下，你想让拍出来的展品明亮，就得增加曝光时间，冒照片糊掉的风险。你想隔着玻璃拍个细节，用镜头把那个角落拉过来，进光量立刻降低，曝光时间随即被相机自动延长，拍出来又是糊的。你把感光度调上去了，总算快门速度缩短到1/20秒了，以为拍清楚了，回家一看，图片上密密麻麻地全是噪点。
简短版本的摄影原理就说到这里，如果你觉得，从这些句子足以悟出许多针对博物馆量身定制的摄影要领，太好了，祝你拍出好片，共同支持博物馆推广。如果你觉得看完上面这些还是觉得没把握，或者不太了解“光圈”、“感光度”、“景深”、“曝光补偿”这些概念，欢迎继续往下读。
阿耳忒弥斯·卢浮宫
先问一个问题：为什么要拍博物馆的展品？
首先有声音说：我不拍照，也反对在博物馆里拍照。我去博物馆是为了获取知识，体验美感。却没必要把这些体验带回家。实在要带回家的话，买博物馆官方的画册就行了，一定比民间的清晰专业。比如台北故宫博物院，就不让观众摄影，挺好的。
我钦佩这样的记忆力和不执着，不过稍微有个注解：很多博物馆摄影爱好者，是不可忽视的文化传播力量。除了同样的获取知识体验美感之外，他们对博物馆或展览的推广，甚至比官方做得还要专业：美，信息正确、丰富，启发思考，而且全程免费。
回到最初的问题来：为什么拿着相机去博物馆？对这个问题的回答，直接决定了你要使用什么样的相机。
你可能拿着相机围着展品转，为了研究展品每个角落的细节；
或者寻找全新的摄影角度，为了艺术和美的创作。
有可能一件件地无差别扫荡过去，为了飞速留住对这里的记忆。
有可能摆好剪刀手站在展品前，为了证明你来过见过（Veni, Vidi）。
还有可能“就是想拍”，拍完发个微博，就像饭前拍菜一样。
……
所有这些理由都对，不过我对“无差别扫荡”观赏模式有点话说。这种泡博模式介于认真型和休闲型之间，有点纠结尴尬。其实挺可惜的，一个人抱着价值不菲的相机，在展厅里一格一格地平移，每个展品前面来一张，眼睛不离取景器，连说明牌都不看一眼，相当于整个展览被照相机独享了。我提议看展的朋友们出了展厅之后能带出故事来，而不是猛贴照片，文字写：“这张名字忘记了，总之是名画。”
和我一道讨论这个摄影系列的国博的朋友这么说：
真的觉得他们太可惜了。宁肯看平面的，不愿意仔细观察立体的；宁肯看电子的，不愿意欣赏真实的。我觉得真正拍摄出好的有情感的有艺术性的文物照片的人，首先都是对拍摄对象有感情，仔细观察过的。所以咱们也应当提倡仔细观察，认真欣赏，在理解和热爱的基础上按快门。这也是咱们文物摄影爱好者和普通的专业摄影师或普通的摄影爱好者的最大区别吧。
以前我写过一篇《博物馆摄影实战技巧》，里头说：
- 穿黑衣服。防止自己的影子反射到展品的玻璃罩上。
- 最好再带一个穿黑衣服的人同去，那个人可以帮你遮挡背景光和纷乱的人群。 如果不妨碍旁边的观众，且不至于让管理员怀疑你在偷东西的话，黑衣服是可以脱下来罩住玻璃柜的。
今天看到一张照片，是七位博物馆达人参观国家博物馆的《复兴之路》展览时的合影。照片表明摄影技巧已被实践推行，获得高度认可。
七位博物馆达人身着黑衣参观国博《复兴之路》
一下带去这么多黑衣同好，遮光效果堪称伸手不见五指了。略感遗憾的是西装的大V领，里头的衬衫反光不可小觑。右三这位达人，穿黑衣服就可以了，不用抹黑脸蛋涂黑眼圈的。
